Da Francesco Garofalo Leonardo da Vinci, dalla nascita a Vinci agli ultimi anni in Francia: il racconto umano e artistico di un uomo che trasformò per sempre la conoscenza.
OLTRE LA TELA | A cura del Prof. Francesco Garofalo
Leonardo da Vinci non appartiene soltanto alla storia dell’arte. Appartiene alla storia dell’uomo, alla sua inesauribile necessità di osservare, comprendere e oltrepassare i confini del conosciuto. Quando ripercorro la sua esistenza, dalla nascita nella campagna toscana fino agli ultimi giorni trascorsi in Francia, non incontro semplicemente un pittore straordinario. Vedo un uomo inquieto e curioso, capace di interrogare con la stessa intensità un volto, il movimento dell’acqua, l’anatomia di un corpo, il volo degli uccelli e il funzionamento di una macchina.
Leonardo fu pittore, disegnatore, ingegnere, anatomista, scenografo, architetto, musicista e studioso della natura. Ma nessuna definizione, presa singolarmente, riesce a contenerlo. La sua grandezza risiede proprio nell’aver rifiutato ogni separazione rigida tra arte e scienza, tra immaginazione ed esperienza, tra bellezza e conoscenza.
Raccontare Leonardo da Vinci, dalla nascita alla fine, significa dunque seguire il cammino di una mente che non si accontentò mai delle apparenze. Significa entrare in un laboratorio sterminato di idee, intuizioni, disegni e domande. Un laboratorio nel quale l’opera d’arte non è semplice rappresentazione del mondo, ma uno strumento per penetrarne il mistero.
Leonardo da Vinci e le origini toscane
Leonardo nacque il 15 aprile 1452 nel territorio di Vinci, sulle colline nei pressi di Firenze. La tradizione indica come luogo natale Anchiano, una piccola località immersa nel paesaggio toscano, anche se alcuni aspetti relativi all’esatto edificio della nascita rimangono oggetto di discussione.
Era figlio naturale del notaio ser Piero da Vinci e di Caterina, una giovane donna la cui identità è stata a lungo studiata e interpretata attraverso documenti non sempre conclusivi. I genitori non erano sposati e Leonardo crebbe all’interno della famiglia paterna, ricevendo un’educazione differente da quella riservata ai figli destinati alle professioni universitarie.
Questa condizione influì probabilmente sul suo percorso. Non seguì il tradizionale ciclo di studi umanistici fondato sulla piena conoscenza del latino e del greco, ma sviluppò un rapporto diretto con l’esperienza. Più tardi si sarebbe definito, con una certa amarezza, un uomo “senza lettere”. Eppure proprio quella formazione irregolare contribuì a renderlo libero rispetto agli schemi dominanti.
La campagna di Vinci fu la sua prima scuola. Leonardo osservò i corsi d’acqua, le rocce, le piante, le nuvole, gli animali e le trasformazioni della luce. In quel paesaggio maturò una sensibilità destinata a riemergere nei fondali dei suoi dipinti, dove la natura non è mai un semplice ornamento. È una presenza viva, antica e in continua trasformazione.
Guardando i paesaggi leonardeschi, avverto sempre una sensazione particolare: le figure umane sembrano appartenere alla stessa energia che modella le montagne e attraversa i fiumi. Per Leonardo, l’uomo non era separato dalla natura. Era parte del medesimo organismo.
Firenze e la formazione nella bottega di Verrocchio
Ancora giovane, Leonardo si trasferì a Firenze, una delle città più vitali dell’Europa rinascimentale. Era il tempo delle botteghe, delle grandi committenze, della cultura umanistica e della presenza politica della famiglia Medici. In questo ambiente entrò nella bottega di Andrea del Verrocchio, maestro autorevole, scultore, pittore e orafo.
La bottega rinascimentale non era soltanto un luogo nel quale si imparava a dipingere. Era un centro di formazione complesso, dove si studiavano il disegno, la prospettiva, l’anatomia, la lavorazione dei metalli, la scultura, la preparazione dei colori e la costruzione di apparati destinati alle celebrazioni pubbliche.
Leonardo ebbe così la possibilità di confrontarsi con materiali e discipline differenti. Il disegno divenne presto il fondamento della sua ricerca. Per lui, tracciare una linea significava ragionare, verificare un’intuizione, fermare un movimento o analizzare una forma.
Una celebre tradizione racconta che Verrocchio, vedendo la straordinaria qualità dell’angelo dipinto da Leonardo nel Battesimo di Cristo, avrebbe deciso di abbandonare la pittura. È un episodio affascinante, ma deve essere considerato con prudenza, poiché ci è stato tramandato come racconto biografico e non come fatto documentalmente certo.
Ciò che appare evidente è la novità della presenza leonardesca. Nei suoi primi lavori la figura umana comincia a liberarsi dalla rigidità. I volti acquistano profondità psicologica, la luce ammorbidisce i contorni e il paesaggio si trasforma in una realtà atmosferica.
Nel 1472 Leonardo risultava iscritto alla Compagnia di San Luca, l’associazione fiorentina dei pittori. Avrebbe potuto avviare una carriera autonoma e regolare. La sua indole, tuttavia, lo conduceva verso percorsi più complessi. Non gli bastava eseguire un’opera: desiderava comprendere ogni elemento che la rendeva possibile.
Le prime opere e il mistero dell’incompiuto
Tra le opere della giovinezza si collocano dipinti come l’Annunciazione, il Ritratto di Ginevra de’ Benci e l’Adorazione dei Magi. In esse si riconoscono già alcuni tratti fondamentali del suo linguaggio: la capacità di indagare la vita interiore, l’attenzione alla natura, lo studio dei gesti e la costruzione di uno spazio attraversato dall’emozione.
L’Adorazione dei Magi, commissionata nel 1481 per il monastero di San Donato a Scopeto, rimase incompiuta. Nonostante ciò, o forse proprio per questo, l’opera consente di osservare il processo creativo di Leonardo. Le figure emergono dalla preparazione pittorica come pensieri ancora in formazione. Il centro della scena non è dominato dalla simmetria, ma da un moto circolare di sguardi, corpi e reazioni.
L’incompiuto accompagna spesso la vicenda leonardesca. Sarebbe però riduttivo attribuirlo soltanto all’incostanza. Leonardo lavorava attraverso ripensamenti continui. Studiava varianti, modificava la composizione e cercava soluzioni tecniche nuove. La sua aspirazione non era semplicemente terminare, ma raggiungere una forma capace di restituire la complessità della realtà.
In lui riconosco una tensione che appartiene a molti artisti: il conflitto tra l’idea, potenzialmente perfetta, e la materia, che impone limiti, tempi e compromessi. Leonardo portò questa tensione a un livello estremo. Ogni opera diventava un problema aperto, mai completamente risolto.
Milano e il servizio presso Ludovico il Moro
Intorno al 1482 Leonardo lasciò Firenze e raggiunse Milano. La città offriva prospettive diverse: una corte dinamica, grandi progetti architettonici e la possibilità di lavorare come ingegnere, organizzatore di feste, musicista e artista.
In una famosa lettera indirizzata a Ludovico Sforza, detto il Moro, Leonardo presentò soprattutto le proprie competenze nel campo dell’ingegneria militare. Descrisse ponti, fortificazioni, strumenti offensivi e soluzioni tecniche. Solo nella parte finale ricordò di saper realizzare opere di pittura e scultura.
Quella presentazione rivela la sua straordinaria capacità di comprendere le esigenze del committente. Leonardo non arrivò a Milano soltanto come pittore. Si propose come una mente versatile, capace di mettere il sapere al servizio della corte.
Durante il lungo periodo milanese lavorò a ritratti, apparati scenici, studi architettonici, progetti idraulici e ricerche scientifiche. Si occupò anche del monumento equestre dedicato a Francesco Sforza, un’impresa grandiosa per la quale realizzò numerosi studi e un modello in argilla. La statua in bronzo, tuttavia, non fu mai completata, anche a causa degli eventi politici e militari che coinvolsero il ducato.
Tra i capolavori di questa fase vi è la Vergine delle Rocce, nella quale le figure si dispongono all’interno di un paesaggio enigmatico, fatto di grotte, acque e formazioni rocciose. La luce unisce i corpi e l’ambiente, mentre i gesti creano una rete silenziosa di relazioni.
Leonardo non racconta soltanto un episodio sacro. Costruisce un’atmosfera nella quale il significato nasce dalla luce, dagli sguardi e dal rapporto profondo tra l’essere umano e la natura.
L’Ultima Cena, il tempo fermato in un gesto
Nel refettorio del convento di Santa Maria delle Grazie, a Milano, Leonardo realizzò tra il 1494 e il 1498 circa una delle immagini più celebri della civiltà occidentale: l’Ultima Cena.
L’opera rappresenta il momento nel quale Cristo annuncia che uno degli apostoli lo tradirà. Leonardo sceglie l’istante successivo alle parole, quando la rivelazione attraversa la tavola provocando stupore, paura, indignazione e incredulità.
Ogni apostolo reagisce in modo diverso. I gesti non sono decorativi, ma traducono stati interiori. Le figure si organizzano in gruppi, mentre Cristo rimane al centro della composizione, isolato nella propria consapevolezza. La prospettiva conduce lo sguardo verso di lui e l’architettura sembra prolungare idealmente lo spazio reale del refettorio.
Quando penso all’Ultima Cena, non vedo una scena immobile. Vedo un’onda emotiva che si propaga da un corpo all’altro. Leonardo riesce a dipingere il tempo: il momento prima della comprensione, quello della reazione e quello, ancora invisibile, delle conseguenze.
La tecnica scelta dal maestro, diversa dal tradizionale affresco eseguito sull’intonaco umido, gli consentì di lavorare lentamente e di ottenere effetti raffinati. Tuttavia rese la superficie particolarmente fragile. Il deterioramento iniziò precocemente e l’opera attraversò nei secoli restauri, danneggiamenti e complesse vicende conservative.
Eppure, nonostante le ferite del tempo, la forza dell’immagine rimane intatta. È la dimostrazione che un capolavoro non coincide soltanto con la materia che lo compone. Vive anche nella memoria collettiva e nella capacità di continuare a interrogare chi lo osserva.
Leonardo scienziato: vedere per comprendere
Parallelamente all’attività artistica, Leonardo riempì migliaia di fogli con appunti, disegni, diagrammi e osservazioni. Studiò anatomia, botanica, ottica, meccanica, idraulica, geologia e urbanistica. Progettò macchine, dispositivi per il volo, strumenti bellici, ponti e sistemi destinati al controllo delle acque.
Non fu uno scienziato nel significato moderno del termine, poiché operò prima della piena definizione del metodo scientifico contemporaneo. Tuttavia attribuì all’osservazione e all’esperienza un valore decisivo. Non accettava facilmente le affermazioni ereditate dalla tradizione: desiderava verificarle attraverso lo studio diretto.
I suoi manoscritti mostrano una scrittura spesso tracciata da destra verso sinistra. Questa caratteristica è stata interpretata in molti modi, ma potrebbe essere legata anche alla sua abitudine di scrivere con la mano sinistra, evitando così di trascinare la mano sull’inchiostro appena steso.
I disegni anatomici sono tra le testimonianze più alte della sua ricerca. Leonardo studiò ossa, muscoli, organi interni, proporzioni e movimenti. Eseguì dissezioni su corpi umani, lavorando in condizioni difficili e in un’epoca nella quale tali indagini richiedevano accesso, competenza e grande determinazione.
Nei suoi fogli, l’anatomia non è separata dall’arte. Per rappresentare un gesto, Leonardo voleva conoscere i muscoli che lo producono. Per dipingere un volto, desiderava comprendere l’origine fisica dell’espressione. La superficie del corpo era, per lui, il risultato visibile di una struttura nascosta.
Questa è una delle lezioni più attuali che Leonardo ci consegna: vedere non significa limitarsi a guardare. Significa interrogare ciò che si presenta davanti ai nostri occhi, cercandone le relazioni, le cause e la struttura profonda.
L’Uomo vitruviano e la misura dell’universo
Tra le immagini più conosciute di Leonardo vi è l’Uomo vitruviano, un disegno nel quale il corpo maschile viene inscritto in un cerchio e in un quadrato. L’opera nasce dal confronto con le proporzioni descritte dall’architetto romano Vitruvio.
Il disegno è divenuto il simbolo dell’Umanesimo e della centralità dell’uomo nella cultura rinascimentale. Ma non deve essere interpretato come una celebrazione ingenua della superiorità umana. Leonardo cerca una corrispondenza tra il corpo, la geometria e l’ordine naturale.
Il cerchio e il quadrato appartengono a costruzioni geometriche differenti. La figura umana, attraverso il movimento delle braccia e delle gambe, entra in relazione con entrambe. Il corpo diventa così misura, proporzione e strumento di conoscenza.
Da artista, trovo straordinario che un solo foglio riesca a unire rigore e poesia. Nulla appare superfluo. Il segno descrive, calcola e nello stesso tempo evoca. L’uomo è al centro, ma è un centro fragile, sottoposto alle medesime leggi che regolano tutto ciò che vive.
La caduta degli Sforza e gli anni del viaggio
Nel 1499 le truppe francesi entrarono a Milano e il potere di Ludovico il Moro crollò. Leonardo lasciò la città, iniziando una fase segnata da spostamenti e nuovi incarichi.
Passò per Mantova, dove eseguì un celebre ritratto a disegno di Isabella d’Este, e raggiunse Venezia. Qui mise le proprie competenze al servizio della difesa del territorio, studiando possibili soluzioni contro la minaccia ottomana. Successivamente tornò a Firenze.
Questi viaggi mostrano quanto la vita degli artisti rinascimentali dipendesse dagli equilibri politici e dalla protezione dei committenti. Leonardo non visse isolato nella contemplazione. Dovette confrontarsi con guerre, cadute dinastiche, rivalità e trasformazioni territoriali.
Tra il 1502 e il 1503 lavorò per Cesare Borgia come esperto di fortificazioni e ingegnere. Percorse diverse zone dell’Italia centrale, osservò città e territori, realizzò mappe di notevole precisione e studiò sistemi difensivi.
La cartografia leonardesca non è soltanto un esercizio grafico. Dimostra una capacità di leggere il territorio come una struttura complessa, fatta di distanze, corsi d’acqua, vie di comunicazione e punti strategici. Ancora una volta, disegnare significava conoscere.
Firenze, la Gioconda e la Battaglia di Anghiari
Tornato a Firenze, Leonardo iniziò una delle opere più celebri della storia: il ritratto conosciuto come Gioconda o Monna Lisa. La figura viene generalmente identificata con Lisa Gherardini, moglie del mercante fiorentino Francesco del Giocondo, anche se nel corso del tempo sono state avanzate ipotesi differenti.
Leonardo conservò il dipinto con sé per anni, continuando probabilmente a intervenirvi. Il volto della donna emerge attraverso passaggi tonali delicatissimi. I contorni non sono rigidi, ma sembrano dissolversi nell’atmosfera secondo quella tecnica che chiamiamo sfumato.
Il celebre sorriso non è un enigma costruito artificialmente. È il risultato di una percezione mobile. Cambia mentre cambia il nostro sguardo. La bocca sembra animarsi, poi trattenersi; gli occhi instaurano un rapporto diretto con l’osservatore; il paesaggio alle spalle appare remoto, quasi appartenesse a un tempo precedente alla presenza umana.
Nello stesso periodo Leonardo ricevette l’incarico di dipingere la Battaglia di Anghiari nel Salone dei Cinquecento di Palazzo Vecchio. Michelangelo avrebbe dovuto lavorare sulla parete opposta con la Battaglia di Cascina. L’eventuale confronto tra i due grandi protagonisti del Rinascimento è entrato nella leggenda.
Il progetto di Leonardo non giunse a compimento e la pittura murale andò perduta. Ne conosciamo alcuni aspetti attraverso studi, copie e testimonianze. Nella scena centrale, dedicata alla lotta per lo stendardo, uomini e cavalli vengono travolti da una violenza convulsa.
Non è una celebrazione serena della vittoria. È una rappresentazione drammatica della guerra, capace di deformare i volti e trascinare uomini e animali nella stessa furia. Leonardo, che pure progettò strumenti militari, comprese con lucidità l’orrore del conflitto.
Il ritorno a Milano e la maturità
Nel 1506 Leonardo tornò a Milano, ormai sotto il controllo francese. Qui trovò nuovi protettori e poté proseguire le proprie ricerche. In questi anni si legò profondamente a Francesco Melzi, giovane allievo appartenente a una famiglia lombarda, destinato a diventare il custode più fedele dei suoi manoscritti.
Leonardo continuò a lavorare su problemi pittorici, anatomici, idraulici e geologici. Studiò il cuore, il movimento del sangue, la struttura delle acque e le forme assunte dai vortici. Osservando i suoi disegni, si comprende come fenomeni apparentemente lontani fossero per lui collegati.
I capelli mossi dal vento, le correnti fluviali e le turbolenze dell’aria potevano essere rappresentati attraverso andamenti simili. Leonardo cercava leggi comuni dietro la varietà delle forme. La natura gli appariva come un sistema unitario, governato da movimenti e trasformazioni.
Il suo metodo procedeva per analogie, osservazioni e verifiche. Alcune intuizioni furono straordinariamente avanzate; altre rimasero legate alle conoscenze del tempo. Valutare Leonardo significa riconoscerne la genialità senza trasformarlo in un inventore onnisciente o attribuirgli anticipazioni non dimostrate.
Le macchine raffigurate nei suoi fogli non furono tutte costruite, né ogni progetto sarebbe stato concretamente funzionante. Il loro valore risiede spesso nella capacità di esplorare possibilità, scomporre i movimenti e immaginare soluzioni.
Roma e il confronto con una nuova stagione artistica
Nel 1513 Leonardo si trasferì a Roma, dove soggiornò sotto la protezione di Giuliano de’ Medici. La città stava vivendo una stagione eccezionale. Michelangelo lavorava alle grandi imprese vaticane e Raffaello era al centro di importanti commissioni.
Leonardo, ormai uomo maturo, non ebbe tuttavia un ruolo paragonabile a quello dei due artisti più giovani. Continuò i propri studi e si dedicò a esperimenti, ricerche scientifiche e progetti tecnici.
Il soggiorno romano appare segnato anche da una certa distanza rispetto ai grandi cantieri ufficiali. L’arte stava cambiando e Leonardo, pur essendo una figura universalmente rispettata, sembrava appartenere a un percorso personale impossibile da inserire nei normali meccanismi della committenza.
Non considero questa fase un declino. La grandezza di Leonardo non può essere misurata soltanto attraverso il numero delle opere concluse. Negli ultimi anni, la sua mente continuò a lavorare con intensità, raccogliendo conoscenze e sviluppando riflessioni sulla pittura e sulla natura.
La Francia e l’incontro con Francesco I
Nel 1516 Leonardo accolse l’invito del re di Francia Francesco I e lasciò definitivamente l’Italia. Si stabilì nel maniero di Cloux, oggi noto come Clos Lucé, vicino al castello reale di Amboise.
Con lui viaggiarono Francesco Melzi e il fedele collaboratore Gian Giacomo Caprotti, detto Salaì, anche se quest’ultimo non rimase stabilmente al suo fianco fino alla morte. Leonardo portò con sé alcuni dipinti, tra i quali vengono generalmente ricordati la Gioconda, la Sant’Anna con la Vergine e il Bambino e il San Giovanni Battista.
Francesco I gli riconobbe prestigio e libertà, affidandogli il titolo di primo pittore, ingegnere e architetto del re. In Francia Leonardo poté trascorrere gli ultimi anni in una condizione di grande considerazione, dedicandosi a progetti architettonici, disegni, apparati per feste e sistemazione dei propri studi.
Il rapporto tra Leonardo e il sovrano è stato arricchito nei secoli da racconti suggestivi. La tradizione secondo la quale il maestro sarebbe morto tra le braccia del re, resa immortale anche dalla pittura ottocentesca, non trova una conferma storica sicura. Francesco I, con ogni probabilità, non era presente al momento della morte.
Rimane tuttavia autentico il valore simbolico di quel legame. La Francia riconobbe in Leonardo non soltanto un artista italiano, ma una figura universale, capace di rappresentare la più alta espressione dell’intelligenza rinascimentale.
La morte di Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci morì ad Amboise il 2 maggio 1519, all’età di 67 anni. Negli ultimi tempi la sua salute era peggiorata e una limitazione al braccio destro è ricordata dalle testimonianze dell’epoca. Essendo mancino, potrebbe comunque aver continuato a disegnare e scrivere, almeno in parte.
Aveva redatto il proprio testamento il 23 aprile dello stesso anno. Dispose lasciti a favore di persone a lui vicine e affidò a Francesco Melzi libri, strumenti, disegni e manoscritti. Fu inizialmente sepolto nella chiesa di Saint-Florentin ad Amboise, edificio successivamente distrutto. Resti attribuiti a Leonardo furono poi collocati nella cappella di Saint-Hubert, ma la loro identificazione non può essere considerata assolutamente certa.
La morte concluse la vita dell’uomo, non il viaggio delle sue idee. I manoscritti attraversarono dispersioni, passaggi di proprietà e separazioni. Molti fogli andarono perduti; altri sono oggi conservati in differenti raccolte. Ciò che rimane testimonia una produzione intellettuale impressionante, ma rappresenta soltanto una parte del lavoro originario.
Francesco Melzi tentò di ordinare gli scritti del maestro. Da quel patrimonio derivò anche la tradizione testuale del Trattato della pittura, pubblicato soltanto molto tempo dopo. In quelle riflessioni Leonardo rivendicava alla pittura il valore di disciplina conoscitiva, fondata sull’occhio, sull’esperienza e sulla comprensione delle leggi naturali.
L’eredità universale di Leonardo
Leonardo ci ha lasciato un numero relativamente limitato di dipinti universalmente riconosciuti, ma la sua influenza è incalcolabile. Ha trasformato il ritratto, approfondito il rapporto tra figura e paesaggio, studiato la luce come sostanza atmosferica e reso il gesto uno strumento capace di raccontare la vita interiore.
La sua eredità, tuttavia, supera la pittura. Leonardo rappresenta una forma di pensiero nella quale le discipline comunicano tra loro. L’arte alimenta la scienza; la scienza rende più consapevole l’arte; la tecnica traduce l’immaginazione in possibilità concreta.
Come artista e studioso, sento profondamente questa lezione. La conoscenza autentica non nasce dalla chiusura, ma dall’incontro. Un pittore può imparare dall’anatomia, dalla geometria e dalla filosofia. Uno scienziato può trovare nel disegno un mezzo insostituibile per osservare. Un’opera può diventare il punto nel quale emozione e ragione smettono di essere avversarie.
Leonardo non fu un uomo privo di contraddizioni. Lasciò progetti incompiuti, inseguì soluzioni tecniche fragili, cambiò città e protettori, servì corti impegnate in conflitti e progettò macchine militari pur mostrando nelle proprie immagini la brutalità della guerra. La sua vita non deve essere trasformata in una leggenda perfetta.
È proprio la sua umanità a renderlo così vicino. Dietro l’icona universale esiste un uomo che dubita, corregge, cancella, ricomincia e continua a porre domande. La sua grandezza non consiste nell’aver trovato tutte le risposte, ma nell’aver compreso che ogni risposta autentica genera un nuovo interrogativo.
Leonardo da Vinci, un viaggio che non finisce
Raccontare Leonardo da Vinci, dalla nascita alla fine, significa attraversare quasi settant’anni di storia europea e assistere alla formazione di un linguaggio destinato a superare epoche, confini e discipline.
Dal paesaggio di Vinci alla bottega di Verrocchio, dalla corte milanese alla Firenze repubblicana, dagli studi anatomici agli ultimi progetti francesi, Leonardo conservò uno sguardo inquieto e rigoroso. Osservò il mondo come se ogni forma custodisse una legge ancora da scoprire.
A più di cinque secoli dalla sua morte, continuiamo a entrare nei musei per incontrare i suoi volti, a studiare i suoi codici e a interrogarci sulle sue intuizioni. Non lo facciamo soltanto perché fu un genio. Lo facciamo perché nei suoi fogli riconosciamo la parte più alta e vulnerabile dell’essere umano: il desiderio di comprendere ciò che ci circonda sapendo che la conoscenza non sarà mai completa.
Questa è, per me, l’eredità più profonda di Leonardo da Vinci. Non una celebrazione astratta dell’intelligenza, ma un invito a guardare meglio. A osservare prima di giudicare, a unire ciò che appare separato e a considerare la curiosità come una responsabilità culturale.
Leonardo morì ad Amboise il 2 maggio 1519. Eppure il suo viaggio non si è concluso. Continua ogni volta che un artista studia la natura, che un ricercatore affida a un disegno la propria intuizione o che un giovane comprende come la conoscenza non debba essere rinchiusa entro confini troppo stretti.
Nel silenzio enigmatico della Gioconda, nei moti dell’Ultima Cena, nella geometria dell’Uomo vitruviano e nelle pagine fitte dei suoi manoscritti, Leonardo continua a ricordarci che l’uomo diventa veramente moderno quando trova il coraggio di interrogare il mistero senza pretendere di esaurirlo.