Da Marco Signorile Ci sono film che appartengono al loro tempo.
E poi ce ne sono altri che decidono di attraversarlo. Il Diavolo veste Prada 2 arriva finalmente nelle sale italiane portandosi addosso un’attesa enorme, quasi fragile. Perché tornare dentro un immaginario diventato culto non significa soltanto realizzare un sequel: significa confrontarsi con la memoria collettiva di chi quel film lo ha amato, citato, imitato.
Eppure, fin dalle prime immagini, una cosa appare chiara.
Questo nuovo capitolo non vuole superare il passato.
Vuole restarci accanto.
La seconda visione del film conferma una sensazione già percepita alla première milanese: la forza del racconto non sta nella rivoluzione, ma nella continuità elegante di un mondo che ha imparato a cambiare pelle senza perdere identità.
La regia sceglie una strada precisa, quasi sofisticatamente prudente. Non tradisce mai l’anima originale del film, ma prova ad aggiornarla dentro una contemporaneità fatta di social, digitale, velocità e nuove gerarchie del potere.
E in questo passaggio, il cinema incontra inevitabilmente anche la moda.
Miranda Priestly torna in scena con la presenza glaciale e magnetica di Meryl Streep. Ma qualcosa è cambiato. Il rigore resta, così come l’autorità assoluta di uno sguardo capace di mettere in silenzio una stanza intera. Eppure il tempo ha lasciato una traccia sottile, quasi invisibile. Una crepa umana che rende il personaggio ancora più interessante.
Non è debolezza.
È trasformazione.
Anche il potere, a un certo punto, smette di urlare.
E comincia semplicemente a osservare.
Accanto a lei, Anne Hathaway riprende il personaggio di Andy Sachs con una maturità completamente diversa. Non più la ragazza spaesata che cercava un posto nel giornalismo, ma una donna che conosce ormai il prezzo dell’ambizione e il peso delle scelte.
Andy non rincorre più la moda.
La attraversa.
E i look raccontano perfettamente questa evoluzione.
Il film costruisce una vera geografia dell’eleganza tra New York, Milano e il Lago di Como. Tre luoghi iconici, riconoscibili in tutto il mondo, utilizzati non soltanto come sfondo estetico ma come linguaggio narrativo.
Milano, soprattutto, è ripresa con una fotografia che convince. Le vie della Fashion Week, le geometrie urbane, le luci fredde e sofisticate della città restituiscono un’immagine contemporanea e internazionale che funziona perfettamente sul grande schermo.
Per chi quella città la vive davvero, la sensazione è ancora più forte.
Non è semplice ambientazione.
È riconoscimento.
E quando il racconto si apre sul Lago di Como, il tono cambia. Diventa più intimo, quasi sospeso. La bellezza del paesaggio non viene trasformata in cartolina, ma in atmosfera.
Anche il guardaroba del film gioca continuamente sul contrasto tra nostalgia e presente.
Nel teaser si intravedono dettagli destinati a diventare immediatamente oggetto di culto per gli appassionati di moda: il ritorno della celebre estetica “newsprint” di John Galliano, silhouette couture, richiami a Jean Paul Gaultier, accessori scenografici e un power dressing che aggiorna il glamour degli anni Duemila con linee più contemporanee.
Andy sfoggia abiti couture che raccontano una femminilità più consapevole, mentre Miranda rimane fedele alla propria estetica rigorosa, sofisticata, quasi monumentale.
E poi ci sono i segnali pop.
Madonna che ritorna con Vogue come colonna sonora ideale di un immaginario che rifiuta di invecchiare.
Le apparizioni di Donatella Versace e Lady Gaga.
La moda che dialoga apertamente con lo spettacolo, il marketing e la costruzione dell’immagine.
Sì, è un’operazione fortemente costruita.
Ma il sistema moda, oggi, vive esattamente così.
Il film è molto lucido anche nel raccontare la trasformazione del giornalismo e delle grandi riviste. Il passaggio dal cartaceo al digitale attraversa tutta la narrazione con una malinconia mai esplicita ma presente.
Cambiano i linguaggi.
Cambiano i ritmi.
Cambiano persino le parole.
Ed è forse qui che nasce anche quella sensazione di lieve distanza percepita da parte del pubblico nei confronti del doppiaggio italiano.
Non per mancanza di qualità — perché parliamo di autentici maestri del doppiaggio — ma perché le voci storiche portano inevitabilmente con sé il peso del tempo, della memoria, dell’evoluzione stessa del cinema.
Non è un difetto.
È quasi una traccia emotiva.
Come se anche le voci raccontassero, in silenzio, i vent’anni trascorsi.
Il Diavolo veste Prada 2 non è un film perfetto.
E probabilmente non vuole esserlo.
Non cerca di superare il primo capitolo.
Non tenta la rivoluzione.
Preferisce qualcosa di più difficile: restare dentro l’immaginario collettivo senza tradire ciò che è stato.
E forse proprio per questo funziona.
Perché alla fine non è soltanto la moda a cambiare.
Cambiamo noi.
Cambiano gli occhi con cui guardiamo certe storie.
Cambiano le emozioni che riconosciamo dentro un dettaglio, una voce, una città illuminata nella notte.
E alcuni film, semplicemente, continuano ad accompagnarci mentre succede.