Da Simone Giglio Dall’ideazione di un progetto culturale alla complessa macchina organizzativa che rende possibile un’esposizione: viaggio esclusivo con Alessia Zanella, curatrice e responsabile della realizzazione di mostre ed eventi d’arte. Tra Salvador Dalí, dimore storiche, rigore scientifico e nuove frontiere della valorizzazione culturale, emerge una professione fatta di sensibilità, competenza e straordinaria capacità organizzativa.
L’arte di creare una mostra: quando la bellezza nasce da un lavoro invisibile
Quando un visitatore attraversa le sale di una grande esposizione, difficilmente immagina quale straordinaria macchina organizzativa si nasconda dietro ogni opera, ogni luce, ogni pannello e ogni dettaglio del percorso espositivo.
Una mostra d’arte non è semplicemente una raccolta di dipinti, sculture o testimonianze artistiche. È il risultato di un processo creativo, scientifico e organizzativo che coinvolge numerose professionalità, competenze specialistiche e una profonda sensibilità nei confronti del patrimonio culturale.
A raccontare questo universo, spesso sconosciuto al grande pubblico, è Alessia Zanella, curatrice e responsabile della realizzazione di mostre ed eventi d’arte, protagonista di un’intervista che permette di scoprire quanto lavoro, studio e passione siano necessari per trasformare un’idea in un’esperienza culturale capace di lasciare il segno.
La sua testimonianza restituisce una visione dell’arte lontana dalla semplice spettacolarizzazione, nella quale il valore delle opere, il rispetto dei luoghi e il coinvolgimento del pubblico diventano elementi fondamentali di un unico racconto.
Alessia Zanella: la professionista che costruisce il dialogo tra opere, luoghi e visitatori
Il lavoro di Alessia Zanella attraversa tutte le fasi che portano alla nascita e alla realizzazione di una mostra.
Dalla costruzione del concept curatoriale allo studio delle opere, dalla definizione del percorso espositivo alla gestione dei prestiti, fino agli aspetti contrattuali, assicurativi e logistici.
Un’attività che richiede una particolare combinazione di competenze culturali e capacità manageriali.
Per Zanella, tuttavia, il successo di una mostra si misura soprattutto attraverso l’esperienza del visitatore.
Quando il pubblico entra in uno spazio espositivo e trova un percorso armonioso, coerente e coinvolgente, senza percepire le difficoltà affrontate durante la preparazione, significa che il lavoro è stato svolto correttamente.
È proprio questa apparente naturalezza a rappresentare uno dei risultati più complessi da raggiungere.
Dietro l’eleganza di una sala espositiva possono infatti nascondersi mesi di progettazione, confronti tra specialisti, verifiche tecniche, autorizzazioni, trasporti delicati e decisioni da prendere anche all’ultimo momento.
Il luogo come protagonista: una mostra deve dialogare con la propria città
Uno degli aspetti più interessanti della filosofia curatoriale illustrata da Alessia Zanella riguarda il rapporto tra le opere e il luogo che le ospita.
Secondo la professionista, una mostra non dovrebbe mai essere considerata un prodotto standardizzato, replicabile indistintamente in qualsiasi città.
Ogni territorio possiede una propria identità, una memoria storica e una sensibilità culturale che meritano di essere rispettate e valorizzate.
Il luogo espositivo diventa così parte integrante della narrazione artistica.
Un castello, un palazzo storico o un edificio monumentale non rappresentano semplicemente contenitori destinati ad accogliere le opere, ma possono trasformarsi in autentici protagonisti del percorso culturale.
È una concezione dell’arte che supera il tradizionale modello espositivo e introduce una dimensione più profonda: quella dell’incontro tra patrimonio artistico, architettura e memoria collettiva.
Salvador Dalí incontra Dante: l’esperienza del Castello Colonna Enriquez
Tra gli esempi raccontati da Alessia Zanella emerge un progetto particolarmente significativo: la mostra “Dalí incontra Dante. Un viaggio tra sogni e visioni”, realizzata a Vittoria, in provincia di Ragusa, presso il Castello Colonna Enriquez, in collaborazione con realtà locali.
L’esposizione ha portato nella città siciliana le cento tavole dedicate da Salvador Dalí alla Divina Commedia.
La particolarità del progetto risiede soprattutto nella scelta dell’allestimento.
Il castello, utilizzato in passato anche come carcere, ha suggerito un percorso capace di trasformare la visita in un’esperienza simbolica.
Le tavole dedicate all’Inferno sono state collocate proprio negli ambienti delle antiche celle, spazi segnati da una storia di reclusione e sofferenza.
Successivamente, attraversando gli altri ambienti dell’edificio, il visitatore incontrava le rappresentazioni del Purgatorio e del Paradiso.
Il percorso fisico diventava così metafora di un viaggio spirituale, dalla costrizione alla liberazione, dall’oscurità alla rinascita.
Un esempio concreto di come la progettazione curatoriale possa amplificare il significato delle opere attraverso un dialogo intelligente con l’architettura.
In questo caso, il castello non si limitava a ospitare Dalí: contribuiva a raccontarlo.
Il rigore scientifico: la credibilità prima dello spettacolo
In un’epoca nella quale le grandi esposizioni sono spesso accompagnate da importanti campagne promozionali e da un crescente ricorso alla spettacolarizzazione, Alessia Zanella richiama l’attenzione su un principio fondamentale: il rigore scientifico.
Una mostra, per essere culturalmente credibile, deve poggiare su studi accurati, documentazione attendibile, opere adeguatamente contestualizzate e contenuti capaci di offrire al visitatore informazioni corrette.
La notorietà dell’artista, da sola, non è sufficiente.
Un nome celebre può certamente attirare il pubblico, ma non garantisce automaticamente la qualità dell’esposizione.
Il rischio, quando manca un autentico progetto culturale, è quello di trasformare l’arte in un semplice richiamo commerciale.
Per Zanella, invece, la qualità scientifica rappresenta una forma di rispetto nei confronti del visitatore.
Un principio che assume particolare importanza in un settore nel quale la fiducia del pubblico costituisce un patrimonio da preservare.
L’allestimento perfetto? Quello che lascia respirare le opere
Un altro elemento centrale della visione di Alessia Zanella riguarda l’equilibrio degli spazi.
L’allestimento non dovrebbe mai prevalere sulle opere, ma accompagnarle e valorizzarle.
La luce, i colori, la grafica, le distanze e la disposizione dei lavori devono nascere dalle caratteristiche delle opere stesse.
Un dipinto monumentale richiede spazio e prospettiva. Una serie di piccoli lavori necessita invece di un ritmo differente, capace di favorire l’osservazione ravvicinata.
Anche il vuoto assume un valore progettuale.
Riempire eccessivamente una sala, moltiplicare i pannelli o sovraccaricare il visitatore di informazioni può compromettere l’esperienza culturale.
La qualità di una mostra non si misura necessariamente attraverso il numero delle opere esposte, ma nella capacità di costruire un racconto comprensibile, emozionante e memorabile.
Una riflessione che richiama anche la lezione divulgativa di Philippe Daverio, evocato da Zanella nel corso dell’intervista per sottolineare come l’eccesso di contenuti possa trasformare una visita culturale in un’esperienza faticosa.
L’arte, in fondo, ha bisogno anche di silenzio.
La sfida delle dimore storiche: valorizzare senza alterare
Lavorare all’interno di castelli, palazzi monumentali e chiese storiche comporta difficoltà particolarmente complesse.
Gli edifici possono presentare vincoli architettonici, impianti non moderni, problemi di umidità, accessi difficili e limitazioni agli interventi strutturali.
La risposta, secondo Zanella, consiste nel progettare soluzioni rispettose e il meno invasive possibile.
Strutture autoportanti, materiali riutilizzabili e allestimenti modulari consentono di adattare gli spazi alle esigenze espositive senza compromettere l’integrità degli edifici.
È una filosofia che introduce anche il tema della sostenibilità.
La possibilità di riutilizzare strutture e materiali, adattandoli a sedi differenti, permette di ridurre gli sprechi e di affrontare con maggiore responsabilità la progettazione degli eventi culturali.
Ma la modularità, precisa la curatrice, non deve significare uniformità.
Ogni esposizione deve continuare a conservare una propria identità, costruita in relazione al luogo che la ospita.
La diplomazia dell’arte: una professione fatta anche di relazioni
Tra gli aspetti meno conosciuti della realizzazione di una mostra figura il complesso lavoro di mediazione tra soggetti differenti.
Istituzioni pubbliche, collezionisti, prestatori, studiosi, assicuratori, trasportatori e partner culturali possono avere esigenze e aspettative diverse.
Coordinare queste realtà richiede competenza, capacità di ascolto e una notevole predisposizione alla diplomazia.
Le difficoltà non riguardano soltanto gli aspetti economici.
Le tempistiche delle autorizzazioni, la disponibilità delle opere, le condizioni di conservazione e i requisiti di sicurezza rappresentano variabili che possono incidere profondamente sulla realizzazione di un progetto.
La responsabilità nei confronti delle opere è particolarmente delicata.
Ogni trasferimento comporta rischi che devono essere valutati e gestiti attraverso procedure specialistiche, documentazione tecnica e adeguate coperture assicurative.
Il pubblico vede il risultato finale. I professionisti devono invece governare l’intero processo.
L’arte deve parlare a tutti: la centralità della didattica
Una grande mostra non dovrebbe rivolgersi esclusivamente agli esperti.
Questa è un’altra delle convinzioni espresse da Alessia Zanella, che attribuisce un ruolo fondamentale alla didattica e all’accessibilità culturale.
Il visitatore può essere uno studioso, un collezionista, uno studente, una famiglia oppure un turista che decide di entrare per semplice curiosità.
Ognuno possiede strumenti, sensibilità e aspettative differenti.
Per questo motivo, il percorso espositivo deve essere progettato su più livelli di lettura.
Testi chiari, visite guidate, cataloghi, incontri e laboratori possono contribuire a rendere l’esperienza più inclusiva e coinvolgente.
Particolare attenzione viene riservata ai bambini e ai ragazzi, per i quali la possibilità di sperimentare direttamente tecniche e materiali può rappresentare uno strumento di apprendimento particolarmente efficace.
L’obiettivo non è semplificare eccessivamente l’arte, ma renderla comprensibile senza impoverirne il significato.
Tecnologia e mostre immersive: innovare senza dimenticare le opere
Il digitale rappresenta oggi uno strumento importante nella progettazione e nella comunicazione degli eventi culturali.
Social network, contenuti audiovisivi, fotografie dei lavori preparatori e strumenti multimediali permettono di avvicinare nuovi pubblici e di raccontare il patrimonio artistico attraverso linguaggi contemporanei.
Anche all’interno delle esposizioni, la tecnologia può offrire opportunità significative.
Proiezioni, ingrandimenti, contenuti didattici e supporti multilingue possono migliorare l’accessibilità e favorire la comprensione delle opere, soprattutto da parte dei visitatori internazionali.
Alessia Zanella invita tuttavia a evitare gli eccessi.
La tecnologia dovrebbe arricchire l’esperienza culturale, non sostituirsi automaticamente all’incontro con l’opera originale.
Una posizione particolarmente interessante nel dibattito contemporaneo sulle esposizioni immersive, sempre più diffuse e caratterizzate da un utilizzo intensivo di schermi e proiezioni.
La sfida consiste nel trovare un equilibrio tra innovazione, autenticità e valore artistico.
Kronos: una squadra di professionisti al servizio della cultura
Dalle parole di Alessia Zanella emerge con chiarezza un altro aspetto fondamentale: nessuna grande esposizione nasce dal lavoro di una sola persona.
La progettazione culturale è un’attività collettiva, nella quale competenze differenti devono dialogare e integrarsi.
Nel caso della società Kronos, il lavoro si sviluppa attraverso una struttura professionale che coinvolge la direzione generale, gli esperti di arte antica, i responsabili della comunicazione, della grafica, della pianificazione operativa e della curatela.
All’interno di questo sistema organizzativo opera anche Elia Pilati, responsabile del comparto valorizzazione, figura coinvolta nel percorso di sviluppo e valorizzazione dei progetti.
A questo nucleo si affianca una rete di professionisti esterni composta da restauratori, laboratori di diagnostica, trasportatori specializzati, tecnici dell’illuminazione e dell’allestimento.
Il coordinamento complessivo fa capo a Denis Depaoli, Amministratore Unico di Kronos, al quale compete la responsabilità organizzativa dell’attività societaria.
Una struttura che testimonia quanto la realizzazione di una mostra richieda un approccio multidisciplinare, nel quale visione culturale e capacità gestionale devono procedere insieme.
Il successo di un’esposizione è quindi il risultato di un equilibrio tra creatività, competenza scientifica, organizzazione e collaborazione.
Il futuro delle esposizioni: esperienze culturali capaci di lasciare un segno
La testimonianza di Alessia Zanella offre uno spunto di riflessione sul futuro del settore espositivo.
In un contesto nel quale la cultura deve confrontarsi con nuove modalità di fruizione, con l’evoluzione tecnologica e con una crescente competizione nell’offerta di eventi, la qualità progettuale assume un’importanza sempre maggiore.
Non basta attirare visitatori.
Occorre offrire contenuti autentici, costruire esperienze significative e valorizzare il patrimonio artistico attraverso una narrazione coerente.
Le mostre possono inoltre diventare strumenti di valorizzazione territoriale, capaci di creare nuove occasioni di incontro tra cittadini, turisti, istituzioni e realtà culturali.
È proprio in questa prospettiva che il lavoro curatoriale assume una dimensione che supera l’organizzazione del singolo evento.
Progettare una mostra significa contribuire alla diffusione della conoscenza, alla tutela della memoria e alla costruzione di nuove relazioni tra l’arte e la società.
Oltre la bellezza, il valore delle persone
L’intervista ad Alessia Zanella restituisce soprattutto il ritratto di una professione nella quale la sensibilità artistica deve convivere quotidianamente con responsabilità concrete.
Una professione fatta di studio, intuizioni, problemi da risolvere, decisioni complesse e lavoro di squadra.
Ma anche di quella soddisfazione particolare che nasce quando un visitatore si ferma davanti a un’opera, ne comprende il significato e porta con sé un’emozione.
È forse questo il risultato più importante di una mostra riuscita.
Non soltanto aver esposto grandi capolavori, ma aver costruito le condizioni affinché quei capolavori possano continuare a parlare alle persone.
Perché dietro ogni grande mostra non ci sono soltanto opere straordinarie. Ci sono professionisti capaci di trasformare la conoscenza in esperienza, gli spazi in racconti e l’arte in un’emozione destinata a durare.
Ed è proprio questo mondo invisibile, fatto di talento, competenza e passione, che Alessia Zanella e il team di Kronos contribuiscono ogni giorno a rendere possibile.
L’INTERVISTA INTEGRALE AD ALESSIA ZANELLA
Dietro le quinte della realizzazione di una mostra d’arte
Un’intervista in compagnia di Alessia Zanella, curatrice e responsabile della realizzazione di mostre ed eventi d’arte.
Una panoramica e un approfondimento sulla professione della realizzazione di mostre ed eventi d’arte: come nascono, come vengono allestite e tutto quello che il pubblico, di solito, non vede.
Cominciamo da te, Alessia. In cosa consiste, di fatto, il tuo lavoro?
In quanto responsabile di mostre ed eventi, mi occupo di ciò che riguarda le esposizioni, dalla curatela ai prestiti di opere d’arte.
C’è la parte che più mi piace raccontare, cioè quella che riguarda la nascita dell’idea, che in gergo curatoriale chiamiamo “concept”, lo studio, soprattutto sulle opere, la costruzione del percorso e delle relazioni.
E poi c’è tutta l’altra parte, più amministrativa, quella dei contratti, dei trasporti, delle assicurazioni. E ancora ci sono le telefonate alle otto di sera per sistemare problemi e ultimi dettagli.
Alla fine, però, quello che conta è quando il visitatore entra in mostra, trova tutto al suo posto e non si accorge della fatica e degli imprevisti nati durante il percorso: vuol dire che si è lavorato bene.
Qual è la cosa più importante quando pensi a una mostra da realizzare?
Il luogo. Lo dico senza pensarci un secondo.
Per noi il legame con il posto che ospita la mostra è una delle cose più importanti in assoluto, insieme alle opere.
Non credo molto nelle mostre che girano da una città all’altra sempre uguali e omologate. Ogni luogo ha una sua storia, la sua gente, il suo modo di guardare le cose, e noi cerchiamo sempre di appoggiarci a quello per costruire il racconto.
Se la mostra non ha niente a che fare con il posto in cui si trova, resta un corpo estraneo.
Se invece si riesce a far parlare le opere con l’edificio e la città in cui sono ospitate, a trovare una chiave originale, allora la mostra diventa un’esperienza che si può vivere realmente.
Ci fai un esempio?
Faccio un esempio pratico.
Qualche mese fa, in collaborazione con società locali, abbiamo portato a Vittoria (Ragusa, Sicilia) le cento tavole che Salvador Dalí ha dedicato alla Divina Commedia, al Castello Colonna Enriquez, nella mostra “Dalí incontra Dante. Un viaggio tra sogni e visioni”.
Quel castello, per un lungo periodo, è stato un carcere, e l’idea di allestire le tavole dell’Inferno proprio nelle celle è venuta quasi da sola.
Le abbiamo sistemate proprio in quegli spazi stretti, chiusi, che portano addosso il peso di chi ci è stato rinchiuso.
Poi, uscendo dalle celle, il visitatore entrava negli altri ambienti del castello, dove trovava il Purgatorio e il Paradiso.
Era un modo per dare il senso di rinascita, liberazione. Le persone capivano questo nesso semplicemente camminando.
Ecco, per me questo è il senso di lavorare con il luogo. Non usarlo come un mero recipiente contenitivo, ma lasciare che sia lui a suggerirti il racconto.
Ma come nasce, concretamente, una mostra?
Quasi mai solo dal nome di un artista, almeno per quanto ci riguarda.
Nasce da una domanda, o da un’intuizione, da un’esigenza di divulgare la cultura, da un obiettivo di coinvolgere il visitatore in prima persona.
Poi comincia la parte meno poetica, cioè capire se si può realizzare davvero.
Le opere sono disponibili? Sono documentate bene? Quanto costa portarle, assicurarle, esporle in sicurezza? La sede è adatta?
Tante idee si fermano lì, e va benissimo così: meglio fermarsi prima che fare una cosa a metà.
Se si va avanti, si costruisce il progetto scientifico, si scrivono i testi, si definiscono prestiti, trasporti e si stipulano i condition report, e intanto si pensa già all’allestimento e alla comunicazione.
Poi c’è la mostra aperta, che va seguita ogni giorno soprattutto dal punto di vista didattico, e alla fine il disallestimento, che nessuno racconta mai ma è delicato quanto l’arrivo delle opere.
Parliamo di rigore scientifico. Quanto conta?
Tantissimo, forse tutto, perché è proprio lì che si gioca la credibilità di chi fa questo lavoro.
Una mostra può essere bellissima da vedere, con le opere più importanti, ma se dietro non c’è uno studio serio, se le opere non sono documentate, se i testi dicono cose approssimative, è una mostra che in qualche modo inganna chi la visita.
Noi ci appoggiamo agli studi, ai cataloghi, agli esperti, e cerchiamo di essere sempre trasparenti su che cosa il visitatore ha davanti.
Il rigore è, in sé, una forma di rispetto verso chi entra.
E come scegli quali mostre fare?
In modo abbastanza istintivo ci poniamo sempre molte domande all’interno del team.
La prima è se la mostra aggiunge qualcosa, se offre una lettura nuova o un’occasione che non capita spesso.
Poi guardiamo alle opere e alla loro storia. Poi, inevitabilmente, al luogo.
Infine si deve sempre pensare ai visitatori, perché una mostra deve soddisfare lo studioso, il collezionista, una famiglia, lo studente, il turista che entra per caso.
Si dice spesso che basti un grande nome per riempire una mostra. È vero?
Forse per riempirla sì, per farla bene no.
Ho visto anch’io mostre con un nome notissimo sul manifesto e dentro quasi niente, qualche opera minore e tanti pannelli.
La gente esce delusa e, cosa ancora peggiore, la volta dopo si fida un po’ meno.
Il grande nome va benissimo, ci mancherebbe, ma solo se dietro c’è un progetto vero e ci sono opere che lo meritano.
Come si decide un allestimento?
Partendo sempre dalle opere, mai da un’idea di allestimento già pronta.
Una cosa di cui tenere conto è la tecnica: se lavori con la carta, ad esempio, la luce deve restare bassa, e già questo dà un’atmosfera ben precisa a tutta la mostra.
Poi si guardano i formati e quanti sono i lavori: tante opere piccole ti chiedono di far avvicinare le persone, di dare un ritmo, di lasciare delle pause, mentre un grande dipinto ti chiede spazio e distanza.
Poi c’è la logica interna delle opere, soprattutto quando si tratta di una serie, che va rispettata e non stravolta.
E poi, ancora una volta, c’è il luogo, che spesso ti dà la chiave di tutto.
Il colore delle pareti, le luci, i testi seguono, e una delle cose che mi piace di più è andare a cercare dentro le opere stesse gli elementi per costruire lo spazio.
Un colore che torna spesso, un segno, un dettaglio, una frase: spesso insieme ai nostri grafici riprendiamo questi aspetti sulle pareti, nei pannelli, nella grafica della mostra.
Poi c’è il tema delle mostre modulari, su cui abbiamo lavorato molto.
Progettare un allestimento modulare vuol dire pensare a strutture e percorsi che si possono smontare, ricomporre e adattare a spazi diversi, anche se questo non significa affatto che l’esposizione debba essere uguale ovunque.
È un modo per tenere insieme la sostenibilità, perché non si riparte da zero ogni volta, e permette di riutilizzare i materiali, nonostante poi ogni tappa rimanga un’esperienza a sé.
Lavori spesso in sedi storiche, che non sono “nate” per esporre opere? Come ci si muove?
Ci vuole davvero tanta pazienza.
Un castello, un palazzo, una chiesa sono delle sedi spesso ricche di storia e di fascino, ma hanno certamente i loro vincoli, come muri che non si possono forare, impianti vecchi, umidità, accessi complicati.
Noi solitamente cerchiamo di intervenire con soluzioni il meno invasive possibile, usando per lo più strutture autoportanti che si montano e si smontano senza lasciare traccia, e soprattutto lasciando a vista l’architettura storica dell’edificio.
Se sei in un castello, il castello si deve vedere, deve far parte della mostra.
Le difficoltà ci sono, non lo nego, ma sono anche quelle che ti costringono a pensare meglio.
C’è un errore che vedi fare spesso?
Riempire.
C’è una specie di paura del vuoto che porta a mettere troppe opere, troppe parole, troppa luce.
E invece ogni opera ha bisogno di un po’ di silenzio intorno.
Se la gente esce stanca invece che curiosa, vuol dire che qualcosa non ha funzionato.
Mi piace sempre ricordare una frase divenuta celebre del grande Daverio: “Quando entri in un museo e vedi duecento opere, dopo diverse ore di visita l’unica cosa che ti resta è il male alle scarpe e non vedi l’ora di bere una Coca-Cola”.
Ecco che spesso l’errore di chi realizza mostre è sostituire la quantità alla qualità artistica.
Quali sono le difficoltà più grandi in questo lavoro?
Sinceramente, i tempi, soprattutto quando le cose dipendono da qualcun altro: un’autorizzazione, un finanziamento, un prestatore, un ufficio che ha i suoi ritmi.
Poi ci sono le risorse, perché i costi veri di una mostra, tra trasporti, assicurazioni, custodia e allestimento, sono quasi sempre più alti di quello che si immagina all’inizio.
C’è la responsabilità verso le opere, che ogni volta che si spostano corrono un rischio, e questa è una cosa che senti addosso.
E poi c’è un lavoro continuo di mediazione, perché istituzioni, partner, studiosi e pubblico non sempre vogliono la stessa cosa.
Ecco che la nostra professione ha un baluardo che si chiama diplomazia, ovvero trovare l’equilibrio di dialogo e la capacità di parlare a tutti.
Come si fa a dialogare con tutti, a qualsiasi livello di preparazione culturale dei visitatori?
Rispettare il pubblico vuol dire porsi a più livelli di dialogo.
Ognuno ha la sua preparazione, il suo modo di vedere l’arte e questa è una prerogativa personale di ognuno di noi.
Cercare testi brevi, chiari, scritti per essere letti davanti a un’opera, e poi lasciare la possibilità di approfondire a chi vuole: il catalogo, le visite guidate, gli incontri.
Quando inoltre il percorso è costruito bene, quando lo spazio stesso racconta qualcosa, le persone capiscono anche senza leggere una riga.
È la cosa più bella che possa succedere.
E la parte didattica? Quanto pesa nel lavoro su una mostra?
Come dicevo, già quando si costruisce il percorso ci chiediamo come verrà raccontato a visitatori diversi, perché una classe delle elementari, un gruppo di liceali o un adulto che entra per curiosità hanno bisogni e aspettative completamente diversi.
Le visite guidate funzionano quando chi le conduce sa adattarsi al gruppo; a volte serve spiegare, altre volte è meglio parlare poco e lasciare osservare.
I laboratori sono spesso la parte più efficace, soprattutto per i più piccoli, perché permettono di fare qualcosa con le mani o di sperimentare una tecnica in modo pratico.
Poi ci sono le famiglie, gli adulti, chi ha esigenze particolari, e per ognuno vale la pena pensare qualcosa di dedicato, anche se ciò richiede tempo, persone e risorse.
E il digitale, che spazio ha?
Il digitale aiuta molto a preparare le mostre, ma ha anche un ruolo cruciale nella comunicazione.
Questa va pensata presto, insieme al progetto.
I social, le foto del dietro le quinte, i piccoli video dell’allestimento servono ad avvicinare le persone e a raggiungere più pubblici.
Poi dentro la mostra la tecnologia è utile quando aggiunge qualcosa: ingrandimenti, proiezioni, supporti didattici digitali che aiutano la fruizione dei contenuti, anche in più lingue, cosa che con i turisti fa davvero la differenza.
Ci sono anche problemi molto concreti, ad esempio tutti questi strumenti vanno mantenuti e hanno spesso bisogno di manutenzione, bisogna trovare un compromesso.
In altri termini, per come la penso, il troppo stroppia.
Ci sono sempre più mostre “immersive” in cui le opere originali quasi non ci sono, e le persone passano il tempo a guardare degli schermi; devo dire che non sono una grande fan di queste soluzioni.
Un consiglio a chi vuole affacciarsi a questa professione.
Oltre allo studio, quello di imparare a guardare i luoghi, non solo le opere: entrare in un edificio e chiedersi che storia ha e cosa può raccontare.
E poi andare a vedere tantissime mostre, anche quelle che non piacciono.
Io ho imparato moltissimo proprio da quelle che mi sembrava funzionassero meno.
Tra vedere e capire una mostra c’è il classico abisso, ecco che va sviluppato un senso critico, un’attenzione al racconto della mostra e già immaginare cosa sarebbe opportuno cambiare in meglio.
Pensare una mostra, predisporre le basi operative, come hai già accennato, è un grande lavoro sviluppato in team.
Questa è sempre un’autentica sfida, è un momento emozionante dove c’è fermento, idee e, dopo vari passaggi e riflessioni, ecco che la mostra prende forma.
In realtà è sempre il risultato di gruppo di tutto un team altamente professionale.
La pianificazione e i confronti, ognuno per la sua specializzazione, sono frutto di molte esperienze personali: il nostro Direttore generale, i responsabili esperti di arte antica, i responsabili della comunicazione, i responsabili grafici, i responsabili della pianificazione operativa, la sottoscritta ed Elia Pilati, responsabile del comparto valorizzazione.
Intorno a questo nucleo lavora poi tutta una rete di professionisti esterni: laboratori di diagnostica, restauratori, trasportatori specializzati, tecnici dell’illuminazione e dell’allestimento.
Naturalmente tutto il coordinamento è responsabilità del nostro Amministratore Unico di Kronos, Denis Depaoli.